有這麼一個B面人生

 身為一個將《超少女》系列漫畫，包含《明日之女》剛連載時就開始追，並且至今依然翻閱過無數次的死忠鐵粉，我是懷著滿腔期待與忐忑步入戲院看首映的。然而，最終的觀影體驗卻讓人五味雜陳，與其說這是一部出自《超少女：明日之女》漫畫的改編電影，不如說它更像是一部敷衍了事的同人小說。 儘管我已過了會被「原作綁架」的年紀，我也樂見各種不同樣貌的超級少女，我甚至更期望未來能夠在大銀幕上，出現像是 New 52 形象的卡拉，但有時候真的寧可這部作品不要掛上任何「改編」的名號，或許感覺還會好一點，當然我也只是說「或許」。 電影最顯而易見的致命傷，在於編劇似乎沒有認真讀懂漫畫的核心命題，整部電影的推進，讓人覺得只是在照著原作的「形式」走一次，依樣畫葫蘆，葫蘆甚至還畫得很醜。原作有綠色太陽、紅太陽，電影就如法炮製出現綠色太陽、紅色太陽；原作有買醉情節，電影就瘋狂搬弄；漫畫有什麼台詞，也照著搬進大銀幕，彷彿只是為了向觀眾交代「我有照著改編喔」。《明日之女》原著所要表達的，是探討「我們該如何與痛苦共存」，故事告訴我們復仇無法解除痛苦，那麼我們該如何面對創傷？這本該是電影的靈魂，結果卻被處理成了非常拙劣的說教。 在漫畫的設定中，卡拉與抱持復仇心態的小女孩露西（Ruthye）宛如一面鏡子，卡拉能從她身上看到從前的自己，正是因為這層投射，卡拉才能具備強大的說服力去引導女孩別走上自己的後塵，但電影完全沒有呈現出這份相當重要的共鳴，我們不僅無法從卡拉內心深處的痛苦與憤怒獲得共感，連帶讓氪星毀滅的悲劇感都被大幅弱化，一切淪為走馬看花的形式，電影卻還天真地以為安排幾場閃回就能夠塑造這份痛楚。 相較於在地球出道三年的超人，資歷尚淺的卡拉根本不知道該如何理所當然地在地球生活，更不知如何遺忘母星毀滅的痛楚。在《明日之女》漫畫中，她表面的頹廢，其實是用來掩飾內心的堅強與深沉的創傷，這就像是洋蔥一樣，是需要編劇一層層去剝開的，但電影卻只是做到形式上的買醉、耍痞，但根本稱不上是著墨，這導致電影在表現卡拉的近乎崩潰時的情感顯得極度矯情，像是她飛到外太空吶喊崩潰，實在是太過刻意且做作。 不僅如此，後段劇情還「很貼心」地安排了暴狼來救駕......老實說我真的完全不知道這個角色來幹嘛的，畢竟原作並不存在，還是個回收再利用的棄案，結果要作用沒作用，要魅力沒魅力，只是為了告訴觀眾「這是看錢辦事的暴狼」，只是為了給傑森·摩莫...

最近重溫《死亡筆記本》動畫時，夜神月在床上對死神路克隨口說出的一句台詞，意外地讓人產生了跨越時空的聯想。當時面對死神之眼的交易，月表示：「如果不是眼睛而是翅膀，我說不定會認真考慮交易。」「不過擁有翅膀在天空自由飛翔，可能就不像死神了。」 這段看似漫不經心的對話，如今看來，簡直像是為大場鶇與小畑健多年後合作的另一部作品《白金終局》埋下了深遠的伏筆。在那部作品中，開場企圖自殺的主角「明日」，正是從天使手中獲得了自由翱翔的翅膀。 將這兩部作品放在一起檢視，會發現它們宛如一體兩面的姊妹作，精準地對稱著彼此的核心命題。《死亡筆記本》以死神與制裁為出發點，代表著極致的「黑」，探討當一個充滿算計的凡人擁有了絕對的殺戮權力後，道德邊界將如何崩解；而《白金終局》則由天使與救贖拉開序幕，象徵著純粹的「白」，試圖在絕望深淵中賦予凡人帶來幸福的神之力量，進而叩問生存的價值與善意。 大場鶇曾在一篇探討漫畫創作奧秘的訪談中提到，《白金終局》的起點正是為了描繪「人都是為了變得更加幸福而活」這個理念。然而，這份對普遍性主題的叩問，最終也成為了兩部作品命運分歧的關鍵。 大場鶇在訪談中坦白，關於「什麼是幸福」這個核心命題，他越是深入思考，就越覺得根本得不出結論，因為幸福的形狀會隨著個人的感受而改變。這種創作者自身對核心命題的迷惘，或許某種程度上，無意間點出了《白金終局》後繼無力的致命傷。 相較於《死亡筆記本》中，夜神月與 L 之間目標明確、邏輯嚴密且節奏緊湊的雙雄對決，《白金終局》雖然具備宏大的設定與小畑健一如既往的唯美畫風，卻花費了極大的篇幅在角色的內心獨白與無解的哲學辯證上。 大場鶇也曾自承，比起健全的主角，他更得心應手於描寫像夜神月那樣帶有惡意、獨斷獨行的角色。當敘事焦點從具象的「智力博弈」轉移到抽象的「道德說教」時，推動劇情前進的爆發力便在無形中流失了。 這證明了即便擁有頂級的創作者組合與絕佳的立意，在面對過於龐大且缺乏明確解答的哲學命題時，依然難以完美收斂敘事張力。最終，《白金終局》未能如預期般走到與《死亡筆記本》齊平的現象級高度，真正成為足以分庭抗禮的偉大姊妹作，確實令人感到惋惜。 但回頭望向夜神月當年那句「比起眼睛更想要翅膀」的呢喃，無論那是大場鶇深植於潛意識中的創作執念，還是純粹的文本巧合，這種跨越十幾年的跨作品呼應，依然為讀者留下了無窮的餘韻，也見證了創作者在探索人性極限與神性救贖之...

如果舊版TV動畫《吉原炎上篇》的 95 分作為基準，那麼此次的電影版大約落在 80 至 75 分的區間。整體的觀影體驗仍具備一定水準，並非表現不佳，只是相較於經典的舊版，電影在部分敘事與細節處理上略顯可惜，新意稍顯不足。 在劇情編排上，真選組與桂的登場更像是為了帶動票房與話題性的「粉絲福利」。這導致他們在主線中較為被動，缺乏推動情節發展的實質作用，在整體敘事中顯得有些邊緣化。 ​此外，電影版試圖引入「天人走私毒品」的故事線，開局的鋪陳其實頗具潛力，但後續卻未能深入探討其對吉原造成的實際影響（例如缺乏對毒品氾濫或成癮等社會暗面的具體描寫）。這種「點到為止」（其實可能連點都沒有，充其量就是來塞時間的）的處理方式，讓這段原創劇情略顯單薄，給人一種想嘗試創新，卻又不敢大膽突破原著框架的保守感。若將此故事線完全抽離，對主線發展也幾乎沒有影響，是劇本架構上的一大遺憾。 在動作戲的表現上，舊版動畫的武打編排流暢且動作交代清晰，至今仍令人印象深刻。新版電影固然受惠於時代的進步，在聲光效果與特效呈現上有著顯著的提升，視覺上十分華麗；但由於觀眾對這段故事的發展早已熟知，在缺乏全新敘事衝擊的情況下，純粹的特效升級較難帶來深層次的驚豔感。 《銀魂：吉原大炎上》電影版是一部製作精良、特效出色的商業作品。它依然值得一看，也沒有辜負這個經典 IP，只是對於熟悉且熱愛舊版動畫的觀眾而言，在劇情的深度刻畫與動作戲的張力上，或許會抱持著更高的期待。

Joan Jett 的名字，總是與《I Hate Myself for Loving You》、《I Love Rock ’n’ Roll》、《Bad Reputation》、黑皮衣與假小子氣場緊緊連在一起。可是在台灣，真正了解她整段人生歷程的人卻寥寥可數，網路上流傳的資訊也多有錯漏，甚至連她的本名、出道過程都常被誤解。如果我們只把她當作一首歌的女歌手，那未免太低估了她在搖滾樂與文化歷史中的重量。 這篇文章以一個鐵粉的視角跟觀察，試圖還原一個更真實、更立體的 Joan Jett：從她在賓州的童年、母親歷經三次流產後終於迎來的第一個孩子，到成為 The Runaways 靈魂人物，再到自組廠牌、被 23 家唱片公司拒絕卻仍奮力打進主流的過程，每一步都充滿掙扎與決心。 我們也將深入她與製作人 Kenny Laguna 的深厚合作、與軍方慰問演出 20 餘年的堅持、甚至是少有人知的住院與低潮時刻——這些才是造就「搖滾女王」的關鍵篇章。 出生與家庭背景：得來不易的孩子 Joan Jett 原名 Joan Marie Larkin，1958 年 9 月 22 日出生於美國賓夕法尼亞州費城郊區的溫尼伍德（Wynnewood），她是家中三個孩子中的老大，父親擔任保險業務員，母親是秘書，這樣的家庭背景屬於典型的中下階層，父母工作普通，經濟條件中等。 Joan Jett 的父母親：James 與 Dorothy Larkin 不過，其實在她誕生在這世上以前，Joan 的母親在她出生前曾經歷過三次流產，而 Joan 是母親第四次懷孕才成功生下的孩子，因此多年後，Joan 自己坦言知道這件事後非常感慨，理解母親對自己的珍視。 當時身為家中長女的 Joan，深受母親偏愛。或許是因為歷經三次流產後才迎來她的出生，這份來之不易的喜悅讓母親毫不掩飾地對她表達疼愛，甚至會在弟妹面前直言「妳是我最愛的孩子」。每當這時，Joan 總會在心裡尷尬地想：「媽，妳不要這樣啦！我知道我的出生對妳來說很重要，可是弟弟妹妹也還在旁邊啊！」 右邊為 Joan Jett、左邊則是她的弟弟 James Larkin，左下則是 Joan 的妹妹 Anne Larkin 因此，Joan 也常說自己是那種情緒全寫在臉上的人，開心、憤怒、悲傷、失落，一點也藏不住。她不擅掩飾，學不會去掩飾，但也不想去掩飾，就連她那與生俱...